Español
English
Français
Deutsch
Italiano
ONLY BE BARCELONÉS
Only Be Barcelonés
Las casas de Gaudí en Barcelona
Hablar de la obra de Antoni Gaudí desde el ojo común de quién vibra y se llena de placer al ver cada una de sus construcciones, es algo poético. El arquitecto y artista catalán dejo un legado incalculable a la humanidad y cambió para siempre la arquitectura con su creación. A pesar de que son muchas las obras de Gaudí, sólo algunas son más conocidas y visitadas por los turistas, en especial en la ciudad de Barcelona, que vive y respira de Gaudí, por tanto las siguientes lineas están abocadas a una breve descripción de las construcciones existentes en Barcelona y sus alrededores, que quizás no gozan de la fama de la Sagrada Familia, pero que son de suma importancia en la historia del artista. Entre las casas más desconocidas del arquitecto se encuentra Bellesguard. Construída en un mítico lugar donde estuvo ubicada la casa del rey Martín “el humano”, último rey de Catalunya. La casa original fue construída en el año 1408 y destruída posteriormente por la guerra. Bellesguard se construyó casi 500 años después y tuvo gran significado para Gaudí por éste hecho histórico, aspecto que se representa muy bien en la arquitectura medieval y neogótica que conforma el edificio, muy diferente al resto de sus casas, sin duda, un castillo que rememora este pasaje de la historia de Catalunya. La casa está ubicada en el barrio de Sarría, en la calle de mismo nombre. Otra de sus casas, es la casa Vicens, ubicada en la calle de las Carolines, entre metro Fontana y Lesseps. Esta fue la primera obra que Gaudí firmo luego de titularse como...
Teotihuacan, en el CaixaForum de Barcelona
La CaixaForum de Barcelona exhibe Teotihuacan la Ciudad de los Dioses compuesta por 400 piezas del arte mexicano prehispánico que han sido seleccionadas de los museos mexicanos más importantes. La muestra que está abierta hasta el 19 de junio, espera mostrar la riqueza de esta cultura que ha suscitado tantas leyendas con su aún inexplicable extinción y mostrar como fue su increíble organización política, su arquitectura, el poder y el arte. La ciudad de Teotihuacan se encuentra a sólo cuarenta y cinco kilómetros de Ciudad de México y en 1987 fue considerada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Su nombre proviene de la lengua náhuatl y significa el lugar donde nacen los dioses. La Ciudad de los Dioses tenía en su época de máximo florecimiento una extensión de 20 kilómetros cuadrados y una población cercana a los 100 mil habitantes. Su cultura abarcó casi ocho siglos, iniciándose cerca del año 200 antes de Cristo hasta pasado el 700 A.C., cuando comenzó su decadencia. La ciudad estaba organizada en torno a sus grandes monumentos, las pirámides del Sol y de la Luna y el fastuoso Templo de Quetzalcóatl, que en sus cuatro fachadas tenía más de 366 cabezas de serpiente de la diosa del agua. Como toda ciudad, la cultura Teotihuacan construyó la su hábitat con normas de urbanización, por ejemplo, la Calle de los Muertos, fue trazada desde sus orígenes y tenía el sentido de unir los dos ejes más importantes para su cultura: las pirámides. Teotihuacan fue una portentosa urbe, la mayor construida en el continente mesoamericano, donde han quedado restos de una cultura con enorme capacidad...
El realismo de Courbet en Barcelona
Durante mucho tiempo se pensó en Gustave Courbet (1819-1877) como en el pintor revolucionario por excelencia. Por un lado estaban su profesión de hombre libre cuyo deseo era no depender de ningún poder o religión y su declarado activismo político—participó activamente en la Comuna de París encargándose de la administración de los museos de la ciudad, lo que le acarreó una pena de prisión y un posterior exilio que sería definitivo. Por otra, naturalmente, el escándalo que causaron algunas de sus pinturas más notorias, tales como El origen del mundo, representación en primer plano del sexo desnudo de una mujer abierta de piernas o El sueño (también llamado Las dos amigas o Pereza y Lujuría), que muestra a dos mujeres desnudas durmiendo abrazadas en actitud de dulce abandono después del amor, la cabeza de una de ellas descansando sobre el cuello de la otra. Sin embargo, probablemente la verdadera revolución de su obra residió no en su evidente capacidad de epatar desafiando la pacata e hipócrita moral burguesa sino en su apuesta decidida, de manera no muy diferente al camino emprendido más de dos siglos antes por Caravaggio al optar por la verdad en detrimento de una noción osificada de la belleza, por no aceptar otro maestro que la naturaleza. De hecho fue una exposición suya en una choza en 1855 titulada Le Réalisme la que dio nombre al movimiento realista, marcando una línea divisoria de considerables consecuencias en la historia del arte moderno. Cuando Courbet se pintó a sí mismo en mangas de camisa como una suerte de vagabundo produjo una sacudida en el mundo de los artistas...
Sonar Kids experiencias creativas para padres e hijos
Domingo 19 de junio Barcelona vivirá nuevamente un momento maravilloso en torno a la música y una serie de experiencias creativas que unirá a padres e hijos en el Sonar Kids 2011, que se realiza en la clausura del festival de música avanzada y multimedia Sonar. Las diferentes actividades diseñadas para este año se realizarán en SonarVillage y SonarComplex, además se ocuparán los espacios destinados por el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB). Esta actividad fue creada con el fin de crear una conexión emocional entre padres e hijos a través de una actividad lúdica que satisface los gustos de ambos, algo de lo que no dan cuenta muchas actividades de verano, que sólo toman en consideración la diversión de los adultos. Para ello se ha pensado que los niños puedan adquirir cultura musical jugando y comprendan las nuevas formas de hacer música, así como el desarrollo de ritmos y del diseño musical. Aquí todo es juego, creación y nuevas experiencias. Muchas de las actividades podrán realizarlas con sus padres y otras son sólo para niños. Los niños podrán ser DJ por un momento o ensayar la magia de sacar sonidos con su voz en beatbox. También podrán ser diseñadores de murales, transforma su propia ropa con sus imágenes preferidas y descubrir nuevas técnicas de pintura urbana para escribir los mejores graffitis en su casa. Como ven, esta será una maravillosa apuesta para vivir un verano inolvidable entre padres e hijos. Estarán la banda autora de Nuevas aventuras en pop, Papa Topo; el grupo electrónico portugués Buraka Som Sistema...
Yelle llega a Barcelona
La aman o la odian, lo cierto es que nadie pueda quedar indiferente frente a la descarada respuesta femenina al machismo rapero Julie Budet, más conocida por su apodo Yelle, que es el acrónimo de “You Enjoy Life”, tal como la artista explica en una de sus numerosas entrevistas. La joven, nacida en el 1983 en Saint-Brieuc (Bretaña, Francia), forma una homónima banda con los dj´s GrandMarnier y Tepr, y se la agarra especialmente con los códigos difundidos en el mundo hip-hop, donde un insolente machismo impera en las letras y las actitudes de los protagonistas de la escena musical mundial, que en sus letras suelen desplegar un vasto vocabulario solo cuando hay que rimar con “zorra”, “puta” y más vulgaridades sexistas. Pero ella no se deja atemorizar y siempre tiene una palabra lista para ponerlos en su sitio. Yelle se hizo muy conocida gracias a un tema que puso en su MySpace personal en el año 2006, y que la consagraba como respuesta más contundente al sexismo difundido en la música rap. Con el título “Short Dick Cuizi”, de hecho, contestaba las canciones de algunas bandas, especialmente de TTC y su cantante llamado Cuiziner, que se atrevió a escribir – entre otras – una titulada “Sale Pute” en la que se la agarra con las chicas (todas) que no serían más que “maniquíes servidos en una bandeja” para hombres sedientos de placer, unos “utensilios” felices de satisfacer sus apetitos sexuales haciendo cada cosa ellos les pidan. A Yelle no le gustó para nada esta actitud, y se encargó de contestar una vez por todas con su canción sobre...
El Trieste de Claudio Magris en Barcelona
En la misma frontera con Eslovenia, en el norte de Italia, a orillas del mar Adriático, se encuentra la bella e inquietante ciudad de Trieste. Se trata de una antigua población de origen ilirio que floreció de manera harto sensible con la colonización romana, haciéndola, tras la caída del Imperio en Occidente, suculento objeto de deseo tanto para bizantinos como para francos, que intentaron sin éxito incluirla permanentemente en sus dominios antes de que cayera en el siglo XIII en manos venecianas y finalmente, en 1382, fuera sometida por el imperio autro-húngaro, bajo cuya égida permaneció hasta el final de la Primera Guerra Mundial. Particularmente desde 1719 su posición dentro de éste distó mucho de ser baladí, pues Trieste, que en esa fecha se convirtió en puerto franco, era su única salida al Adriático, lo que redundó en abundantes inversiones tanto industriales como comerciales que acentuaron sus extraordinaria naturaleza multicultural y cosmopolita, que ha influido decisivamente en escritores como Stendhal, Rilke (el título de sus famosas elegías hace referencia al castillo de Duino en Trieste), Italo Svevo, James Joyce (que vivió en la ciudad desde 1905 al estallido de la Gran Guerra y escribió allí una parte importante de su obra, incluidos el Retrato del artista adolescente y grandes secciones del Ulises) o Claudio Magris. Se puede decir que su clima es suave y soleado, salvo cuando manda la bora, un viento que proviene de los Alpes julianos y puede alcanzar cuando sopla los 190 kilómetros por hora. Cuando esto ocurre, los ciudadanos de Trieste saben que no queda más remedio que colocar cuerdas en las calles para evitar...
OFFF en el CCCB de Barcelona
El décimo primer Festival Internacional de creación y cultura digital OFFF vuelve con Let’s feed the future o Alimentemos el futuro, que se realizará en el Centro Cultural Contemporáneo de Barcelona entre el 9 y el 11 de junio. Héctor Ayuso, director del Festival, señaló que esta nueva propuesta de OFFF será un importante punto de encuentro de los amantes del arte y la innovación, tras un período de ausencia producto de una gira que los mantuvo recorriendo importantes urbes como Nueva York, Berlín, París y Lisboa. OFFF nació en Barcelona en los inicios del siglo XXI y su propósito era realizar un festival con una apuesta innovadora de cultura postdigital, cuya filosofía generara una mirada del arte en permanente evolución. Entre sus propuestas novedosas estaba el responder la pregunta que el ciudadano normal se hace cuando ve las creaciones: ¿cómo se hizo?. Este año OFFF ha decidido potenciarse y abrir el festival a todas las propuestas innovadoras, por lo que reunirá artistas conocidos junto a nuevos nombres en numerosas charlas, talleres y métodos experimentales para comunicar y conocer sus creaciones. El nutrido programa incluye 70 actividades, que van desde performances, conferencias, animación y documental, hasta interesantes instalaciones que se realizarán en las diversas áreas del Festival. Las áreas están divididas en: Roots, un foro donde los principales artistas muestran sus trabajos; Openroom o espacio abierto para que los nuevos artistas muestren sus propuestas; Workshops o talleres, Showplace o áreas expositivas, Mercadillo, una zona para el intercambio de productos; Cinexin, donde se podrían ver proyección de películas o videos y Chillax, una zona especial para el descanso. Otra de las innovaciones que tendrá OFFF...
Cine Experimental Yugoslavo en el MACBA
El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, MACBA, exhibirá hasta el 6 de julio un ciclo de Cine Experimental Yugoslavo, 1960-1980, como parte de la exposición Museo de narrativas paralelas .En el marco de la Internacional que el museo viene realizando en su programa del 2011. El ciclo comisariado por Ana Janevski da cuenta de una cinematografía experimental que cambió el lenguaje y la estética dominante en la ex República Socialista Federativa de Yugoslavia entre las décadas del 60 al 80. “No podemos prometer que hagamos otra cosa que experimentar” fue la máxima que acompañó al colectivo KOD, formado por artístas audiovisuales de la ciudad Novi Sad, a orillas del Danubio, cuando el director y guionista de origen serbio Dušan Makavejev les invitó a realizar una intervención visual performativa, en 1971. Esto significó una revolución en los paradigmas temáticos y de producción en la cinematografía yugoslava que se encontraba sujeta a la censura de Estado. Dušan Makavejev nacido en Belgrado, en 1932. Estudio psicología en la Universidad de Belgrado y tras terminar su carrera se involucró en la sociedad de cine y festivales fascinándose con la producción de contenidos de imagen, situación que lo llevó a estudiar en la Academia de Radio, Televisión y Cine. En 1953 comenzó a realizar sus primeros documentales, cuya centralidad temática estaba relacionada con los sucesos de la post guerra. Su tendencia experimental a intercalar imágenes no editadas correspondientes a otras producciones, deconstruyendo y resignificando los contenidos, lo transformó en una de las figuras más importantes del cine yugoslavo. En sus tres primeras películas El hombre no es un pájaro (1966), Love Affair (1967)...
La arquitectura de Gaudí y su territorio.
Todos los animales necesitan un territorio, algunos lo hacen suyo delimitando las fronteras con sus orines. Nosotros lo hacemos amoldándolo de acuerdo a nuestros gustos y esto puede ser un reflejo de nuestra forma de pensar y de ver el mundo. Lo vamos confeccionando con objetos que significan algo en nuestras vidas, que nos hacen sentir amados y por eso nos transmiten energía, pero si hay alguno que nos transporta a un pasado conflictivo lo que hace es absorbernos la energía como vampiro. El creador del surrealismo Andrés Bretón vivía en un pequeño apartamento, en Pigalle, el barrio parisiense famoso por su Moulin Rouge, sus cabarets y sex-shops. Tenía un par de cuartos estrechos, llenos de cuadros, objetos curiosos y esculturas mágicas africanas. Samuel Beckett novelista irlandés, vivía en el último piso de un edificio de arquitectura mediocre, con un mínimo de muebles, paredes blancas desnudas. Por la ventana se veía el alto muro de una cárcel. Marcel Marceau vivía en una mansión con parque, arboles invadidos por telas de araña, las paredes repletas de fotografías de él con gente famosa, actores de cine, presidentes, millonarios, etc. Sus muebles en la mayoría eran armarios donde exponía medallas, diplomas, trofeos. En un gran estudio, colgaban multitud de sus posters en diferentes idiomas. Gaudí, el arquitecto catalán, vivió en una casa con muebles diseñados por él mismo, en el interior del Parque Güell. Fue un artista que nunca buscaba la autocomplacencia ni la reivindicación de su ego, simplemente observaba la naturaleza («Este árbol cercano a mi taller: él es mi maestro») y luego la plasmaba en sus trazos donde no ponía...
Pere Noguera en Fundación Tapies de Barcelona
Desde el 27 de mayo la Fundación Tapies de Barcelona exhibe Historia de Archivo del artista conceptual español Pere Noguera. La exposición toma los interesantes trabajos de Noguera basados en fotografías tomadas en la década de los 70 por personas anónimas, amateur o profesionales, que el artista interviene reflexionando sobre el proceso que lleva a la producción de imágenes fotográficas. Pere Noguera nació en Bisbal, Girona, en 1941. Es uno de los representantes más destacado de la vanguardia artistica de los años 70, que transitó en los 90 a los trabajos visuales que reflejan el desencanto político social de esta generación y que se materializan en el conformismo de la sociedad, más avocada al consumo que a los problemas actuales de las sociedades. Noguera es un eterno confrontador con lo transitorio y lo permanente, y lo hace a través de la desmaterialización del objeto artístico. Sus trabajos nos trasladan al arte povera por el uso que da a los materiales simples, como barro, fotografías antiguas, piedras y objetos que recoge, cartón etc. Sin embargo, su profundidad de conceptos y la mirada crítica a la sociedad está en cada elemento que transforma, dándole el espesor poético al discurso. Uno de sus materiales preferidos es la cerámica, que tiene reminiscencias infantiles y lo conecta con la inocencia de una época. Este material es parte importante de su búsqueda por trasuntar la transitoriedad en lo material y transferirlo a ese discurso desencantado de las ideas que replica en la perdida de las utopías, por lo tanto, la perdida del sueño permanente, la transitoriedad de los sueños o su mutabilidad interminable. En este...Promotions
